Premiers succès (années 1930) :

• Lucrèce Borgia (1935), réalisé par Abel Gance : Feuillère incarne Lucrèce Borgia, une figure historique complexe, mêlant séduction et tragédie. Ce rôle
  marque son émergence comme actrice dramatique, révélant sa capacité à captiver par son intensité et son élégance. Le film, audacieux pour l’époque, la propulse sous les projecteurs.
• Sans lendemain (1939), de Max Ophüls : Dans ce drame psychologique, elle joue Evelyne, une femme contrainte de cacher son passé de danseuse de cabaret. Son interprétation, empreinte de vulnérabilité et de charme, est saluée pour sa finesse et établit une collaboration mémorable avec Ophüls.

Apogée dans les années 1940 :

• Mam’zelle Bonaparte (1941), de Maurice Tourneur : Feuillère incarne Cora Pearl, une célèbre courtisane du Second Empire. Sa performance allie glamour et ironie, capturant l’esprit d’une femme ambitieuse dans une fresque historique.
• La Duchesse de Langeais (1942), de Jacques de Baroncelli : Adapté de Balzac, ce film met en avant Feuillère dans le rôle d’Antoinette, une aristocrate
  tourmentée par l’amour. Son interprétation nuancée de la passion et du conflit intérieur est un sommet de sa carrière.
• L’Aigle à deux têtes (1947), réalisé par Jean Cocteau : Écrit spécifiquement pour elle, ce film la voit jouer une reine confrontée à un amour impossible avec un jeune anarchiste (Jean Marais). La direction stylisée de Cocteau et la performance majestueuse de Feuillère en font une œuvre culte, où elle excelle dans un rôle à la fois tragique et romantique. 

 Comédies et rôles variés (années 1950–1960) :

• Adorables Créatures (1952), de Christian-Jaque : Feuillère brille dans cette comédie dramatique, jouant une veuve élégante et manipulatrice. Son aisance dans des rôles plus légers démontre sa polyvalence, passant du drame à l’humour avec brio.
• Le Blé en herbe (1954), de Claude Autant-Lara : Adapté de Colette, ce film explore une romance complexe. Feuillère y joue une femme mûre séduisant un jeune homme, apportant une profondeur émouvante à un rôle délicat. En cas de malheur (1958), de Claude Autant-Lara : Aux côtés de Jean Gabin et
  Brigitte Bardot, Feuillère incarne une épouse digne face à l’infidélité. Son jeu subtil contraste avec l’exubérance de Bardot, renforçant l’intensité dramatique.

Fin de carrière au cinéma :

• La Chair de l’orchidée (1975), de Patrice Chéreau : À 68 ans, Feuillère livre une performance mémorable dans ce thriller psychologique, jouant une matriarche excentrique. Ce dernier grand rôle au cinéma montre sa capacité à s’adapter à des œuvres modernes et audacieuses.
• Télévision : Elle revisite La Duchesse de Langeais dans une adaptation télévisée en 1995, bouclant symboliquement sa carrière avec un rôle emblématique.

C’est un acteur français né le 3 novembre 1895 à Bayonne (Pyrénées-Atlantiques) et mort le 12 avril 1983 à Paris. Figure marquante du cinéma et du théâtre français des années 1930 et 1940, il est connu pour ses rôles de héros romantiques, souvent des officiers, aristocrates ou aventuriers,
dans des films d’évasion et d’aventure. Sa carrière cinématographique s’étend du début des années 1930 à la fin des années 1940, après quoi il se consacre au théâtre, notamment en tant que directeur artistique du Théâtre du Peuple à Bussang.

Il tourne dans plus de 150 films, alternant comédies populaires et rôles plus dramatiques. Parmi ses films les plus célèbres, on trouve :

• La Vache et le Prisonnier (1959), où il incarne un prisonnier de guerre évadé, accompagné d'une vache nommée Marguerite.
• La série des Don Camillo (1952-1965), où il joue le rôle du curé Don Camillo, en duo mémorable avec Gino Cervi dans le rôle de Peppone.
• Le Schpountz (1938), réalisé par Marcel Pagnol, qui met en valeur son talent comique.
• L''Auberge rouge (1951) et Le Mouton à cinq pattes (1954), où son humour et sa bonhomie brillent.

Fernandel a joué dans plus de 150 films au cours de sa carrière, principalement des comédies, mais aussi quelques rôles dramatiques. Voici une liste de ses films les plus marquants, classés par ordre chronologique, avec une brève description des plus emblématiques :

• Le Blanc et le Noir (1931) – Un de ses premiers rôles au cinéma, dans une comédie.
• Le Rosier de Madame Husson (1932) – Adaptation d’une nouvelle de Maupassant, où il joue un rôle comique.
• Angèle (1934) – Réalisé par Marcel Pagnol, un drame provençal où Fernandel montre son talent dans un registre plus sérieux.
• Regain (1937) – Autre collaboration avec Pagnol, un film poétique sur la vie rurale.
• Le Schpountz (1938) – Réalisé par Pagnol, une comédie satirique où Fernandel incarne un employé de magasin rêvant de devenir acteur, un rôle taillé pour son humour.
• La Fille du puisatier (1940) – Toujours avec Pagnol, un drame où il joue un père attachant.
•  L’Auberge rouge (1951) – Comédie noire où Fernandel joue un moine confronté à des aubergistes criminels.
• Le Petit Monde de Don Camillo (1952) – Premier film de la série culte, où il incarne Don Camillo, curé d’un village italien en conflit amical avec le maire communiste Peppone. Suivi de quatre autres films : Le Retour de Don Camillo (1953), La Grande Bagarre de Don Camillo (1955), Don Camillo Monseigneur (1961) et Don Camillo en Russie (1965).
• Le Mouton à cinq pattes (1954) – Comédie où Fernandel joue plusieurs rôles, celui d’un père et de son quintuplés.
• La Vache et le Prisonnier (1959) – Un de ses plus grands succès, où il incarne un prisonnier de guerre s’évadant avec une vache nommée Marguerite.
• Le Caïd (1960) – Comédie où il joue un employé de banque confronté à un gangster.
• Le Voyage du père (1966) – Une comédie dramatique où il incarne un père cherchant sa fille disparue.
• Heureux qui comme Ulysse (1970) – Un de ses derniers films, une comédie touchante sur un vieux cheval destiné à l’abattoir.

C’est un acteur français né le 3 novembre 1895 à Bayonne (Pyrénées-Atlantiques) et mort le 12 avril 1983 à Paris. Figure marquante du cinéma et du théâtre français des années 1930 et 1940, il est connu pour ses rôles de héros romantiques, souvent des officiers, aristocrates ou aventuriers,
dans des films d’évasion et d’aventure. Sa carrière cinématographique s’étend du début des années 1930 à la fin des années 1940, après quoi il se consacre au théâtre, notamment en tant que directeur artistique du Théâtre du Peuple à Bussang.

Richard-Willm est souvent comparé aux stars hollywoodiennes comme Gary Cooper pour son charisme et sa prestance. En 1935, un sondage le désigne comme « l’acteur le plus populaire de France ». Cependant, il se sent parfois mal à l’aise avec son image de héros romantique, préférant des rôles plus complexes. Son jeu, bien que juste, est parfois critiqué pour une certaine raideur, mais il excelle dans les personnages nobles et tourmentés.

Lien avec L’Assassin habite au 21

Pierre Richard-Willm n’apparaît pas dans L’Assassin habite au 21 (1942) de Henri-Georges Clouzot, mais le contexte de l’Occupation, dans lequel ce film a été produit, est pertinent pour comprendre sa carrière. Comme Clouzot, Richard-Willm travaille sous l’Occupation, notamment dans Le Comte de Monte-Cristo (1943), produit par Pathé. Son statut d’« artiste affecté à la propagande artistique à l’étranger » en 1940 reflète les ambiguïtés de l’époque, où les artistes naviguaient entre contraintes et opportunités. Contrairement à Clouzot, qui fut critiqué pour ses liens avec la Continental Films, Richard-Willm évite les controverses majeures, se concentrant sur des rôles romanesques plutôt que des œuvres à sous-texte politique.

Carrière théâtrale et engagement à Bussang

Théâtre de l’Odéon : Dès 1925, Richard-Willm brille dans La Dame aux camélias et d’autres pièces à l’Odéon, notamment avec Edwige Feuillère dans les années 1940. Il excelle dans des rôles romantiques, comme Armand Duval, qu’il joue avec passion Théâtre du Peuple de Bussang : Dès 1911, adolescent, il découvre ce théâtre fondé par Maurice Pottecher dans les Vosges. Après avoir quitté le cinéma en 1946, il devient directeur artistique du Théâtre du Peuple de 1946 à 1971, concevant décors et costumes et mettant en scène de nombreuses pièces. Cet engagement marque son retour à ses racines artistiques et son amour pour le théâtre populaire.

Pierre Richard-Willm est une figure singulière du cinéma et du théâtre français, incarnant le héros romantique des années 1930 et 1940 avec une élégance et une gravité qui le distinguent. Sa carrière, marquée par des rôles dans Le Grand Jeu, Le Comte de Monte-Cristo et La Duchesse de Langeais, reflète l’esthétique d’évasion de son époque, tout en s’inscrivant dans le contexte complexe de l’Occupation. Son engagement au Théâtre du Peuple de Bussang et son amour pour les arts, de la sculpture au théâtre, témoignent d’une personnalité polyvalente et passionnée. Bien qu’il n’ait pas joué dans L’Assassin habite au 21, son parcours sous l’Occupation partage des parallèles avec celui de Clouzot, illustrant les défis des artistes dans une période trouble. Pierre
Richard-Willm reste une figure discrète mais essentielle du patrimoine culturel français.

Héros romantique et noble : Richard-Willm est souvent casté dans des rôles de figures idéalisées : officiers militaires, aristocrates ou aventuriers au cœur pur, marqués par une aura de droiture et de mélancolie. Son physique élégant, sa voix grave et sa diction soignée renforcent cette image.
Passion et sacrifice : Ses personnages sont fréquemment animés par des passions amoureuses ou des idéaux élevés, souvent confrontés à des dilemmes moraux ou des sacrifices personnels, en résonance avec la littérature romantique et les mélodrames de l’époque.
Contexte d’évasion : Dans les années 1930, le cinéma français privilégie les récits d’aventure et d’exotisme pour offrir une évasion au public. Richard-Willm incarne des personnages évoluant dans des cadres exotiques (Légion étrangère, Russie impériale) ou historiques, répondant à ce besoin.
Théâtralité : Formé au théâtre, Richard-Willm apporte une intensité dramatique à ses rôles, parfois critiquée pour une certaine raideur, mais qui sied parfaitement aux conventions du cinéma pré-guerre. Rôles cinématographiques majeursVoici une analyse des rôles les plus emblématiques de Pierre Richard-Willm dans ses films, mettant en lumière leurs thèmes, leur style et leur importance dans sa carrière.a) Pierre Martel dans Le Grand Jeu (1934, Jacques Feyder)

Rôle : Richard-Willm incarne Pierre Martel, un jeune homme ruiné qui s’engage dans la Légion étrangère pour oublier un scandale amoureux à Paris. Stationné en Afrique du Nord, il tombe amoureux d’Irma (Marie Bell), une femme qui ressemble à son ancien amour, dans un contexte de désillusion et de sacrifice.

Analyse 

Héros romantique : Pierre Martel est l’archétype du héros romantique, déchiré entre passion et devoir. Son engagement dans la Légion symbolise une fuite et une quête de rédemption, thèmes chers au cinéma des années 1930.
Exotisme et évasion : Le cadre colonial et l’ambiance de la Légion étrangère offrent une toile de fond exotique, typique des films d’aventure de l’époque,
permettant au public de s’évader des réalités économiques et sociales.
Performance : Richard-Willm excelle dans les scènes d’introspection et de passion contenue, son regard intense et sa prestance renforçant l’émotion du
personnage. Sa chimie avec Marie Bell est un atout majeur.
Impact : Ce rôle propulse Richard-Willm au rang de star, le plaçant comme l’acteur le plus populaire de France en 1935 (selon un sondage). Le film, un
succès critique et commercial, établit son image de héros noble et tragique.

Werther dans Le Roman de Werther (1938, Max Ophüls)

Rôle : Dans cette adaptation du roman de Goethe, Richard-Willm joue Werther, un jeune homme épris d’une passion impossible pour Charlotte (Annie Vernay), fiancée à un autre. Sa quête d’amour absolu le conduit à la désillusion et au suicide.

Amour tragique : Werther est l’incarnation du romantisme exacerbé, un personnage consumé par un amour idéaliste et destructeur. Richard-Willm
apporte une sensibilité et une fragilité qui contrastent avec son image habituelle de héros viril.
Collaboration avec Ophüls : Sous la direction de Max Ophüls, connu pour son style lyrique, Richard-Willm livre une performance nuancée, captant le désespoir intérieur du personnage à travers des silences éloquents.
Contexte : Le film, sorti avant la guerre, reflète une mélancolie prémonitoire, en écho aux tensions croissantes en Europe. Le personnage de Werther, refusant de compromettre ses idéaux, contraste avec les rôles plus pragmatiques de Richard- Willm.
Impact : Ce rôle montre sa capacité à s’éloigner des stéréotypes héroïques pour explorer des personnages complexes, renforçant sa versatilité.

Serge Polenoff dans Yoshiwara (1937, Max Ophüls)

Rôle : Richard-Willm incarne Serge Polenoff, un lieutenant de marine russe envoyé au Japon, où il tombe amoureux d’une geisha, Kohana (Michiko Tanaka), dans le quartier de Yoshiwara. Leur amour défie les conventions sociales et politiques.

Exotisme et passion : Le cadre japonais et la romance inter-culturelle amplifient l’aspect d’évasion du film. Polenoff, tiraillé entre son devoir militaire et son
amour, incarne le conflit entre cœur et raison.
Style : La mise en scène d’Ophüls, avec ses mouvements de caméra fluides, met en valeur la prestance de Richard-Willm, dont le charisme porte les scènes
dramatiques.
Thème colonial : Le film reflète les fascinations orientalistes de l’époque, mais Richard-Willm humanise son personnage, évitant une caricature colonialiste.
Impact : Ce rôle consolide son image de héros romantique, tout en montrant sa capacité à incarner des personnages dans des contextes historiques variés.

Edmond Dantès dans Le Comte de Monte-Cristo (1943, Robert Vernay)

Rôle : Richard-Willm joue Edmond Dantès dans cette adaptation en deux parties du roman d’Alexandre Dumas. Trahi et emprisonné, Dantès devient le Comte de Monte- Cristo, orchestrant une vengeance minutieuse contre ceux qui l’ont trahi.

Héros vengeur : Ce rôle marque une évolution, car Dantès passe d’une figure innocente à un justicier implacable. Richard-Willm excelle dans cette dualité,
captant à la fois la vulnérabilité du jeune marin et la froide détermination du comte.
Contexte de l’Occupation : Sorti sous l’Occupation, le film peut être lu comme une allégorie de la résistance et de la justice face à l’oppression, bien que son
message reste implicite pour éviter la censure. Le thème de la vengeance résonne avec le public de 1943, confronté à l’injustice du régime de Vichy.
Performance : Richard-Willm apporte une intensité dramatique à Dantès, notamment dans les scènes d’emprisonnement et de confrontation, renforçant
l’épopée romanesque du film.
Impact : Ce rôle est l’un des plus mémorables de sa carrière, souvent cité comme une référence dans les adaptations de Dumas.

Armand de Montriveau dans La Duchesse de Langeais (1942, Jacques de Baroncelli)

Rôle : Dans cette adaptation de Balzac, Richard-Willm incarne le général de Montriveau, un officier napoléonien épris de la duchesse de Langeais (Edwige Feuillère), une femme manipulatrice. Leur relation, marquée par la passion et le pouvoir, mène à une tragédie.

Amour et pouvoir : Montriveau est un personnage complexe, mêlant force militaire et vulnérabilité amoureuse. Richard-Willm excelle dans ce rôle, captant
la tension entre désir et orgueil.

Contexte de l’Occupation : Comme L’Assassin habite au 21, le film est produit sous l’Occupation, mais son cadre historique évite toute référence directe à la
guerre. La lutte psychologique entre les personnages peut néanmoins refléter les tensions d’une société sous pression.
Chimie avec Feuillère : La dynamique avec Edwige Feuillère, une actrice majeure, donne au film une intensité dramatique, renforçant l’image de Richard- Willm comme partenaire idéal pour des rôles romantiques.
Impact : Ce rôle montre sa capacité à incarner des personnages historiques avec une profondeur psychologique, consolidant sa réputation dans le mélodrame.

Arletty, de son vrai nom Léonie Marie Julie Bathiat, est une actrice française emblématique, née le 15 mai 1898 à Courbevoie (Seine) et morte le 23 juillet 1992 à Paris. Figure majeure du cinéma français des années 1930 à 1950, elle est surtout connue pour ses rôles dans les chefs- d’œuvre du réalisme poétique, notamment Hôtel du Nord (1938) et Les Enfants du paradis (1945) de Marcel Carné. Sa gouaille parisienne, son charme magnétique et sa présence à l’écran en ont fait une icône, malgré une carrière marquée par des controverses liées à l’Occupation.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Arletty, comme d’autres artistes, continue à travailler sous l’Occupation. Elle fréquente des cercles proches de la collaboration, notamment en raison de sa liaison avec Hans Jürgen Soehring, un officier allemand de la Luftwaffe. Après la Libération, elle est arrêtée en 1944, internée brièvement à Drancy, puis assignée à résidence. Jugée pour « intelligence avec l’ennemi », elle échappe à une condamnation sévère grâce à son aura et à des soutiens dans le milieu artistique. Elle se défend avec panache : « Mon cœur est français, mais mon cul est international ! » Cette période entache temporairement sa carrière, mais elle reprend les tournages dès 1946.Fin de carrière et vie personnelle

• Retour au cinéma et théâtre : Après l’Occupation, Arletty retrouve le succès, notamment avec L’Air de Paris (1954). Elle se consacre davantage au théâtre dans les années 1950-1960, jouant dans des pièces de Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre ou Tennessee Williams.

• Accident et retraite : En 1963, un accident oculaire la rend presque aveugle, mettant fin à sa carrière cinématographique. Elle continue néanmoins le théâtre et fait des apparitions télévisées. Son dernier rôle notable est dans Le Voyage le plus long (1960), un film américain.

•  Vie privée : Arletty ne s’est jamais mariée et n’a pas eu d’enfants. Sa liaison avec
  Soehring reste la plus médiatisée, mais elle a toujours cultivé une image de femme libre,
  refusant les conventions.

Harry Baur (1880-1943) est un acteur français de théâtre et de cinéma, considéré comme l’un des plus grands comédiens de son époque. Né le 12 avril 1880 à Paris sous le nom de Henri-Marie Baur, il s’impose par sa présence imposante, sa voix grave et son talent pour incarner des personnages complexes, souvent tragiques, dans des films marquants des années 1930 et du début des années 1940. Sa carrière, écourtée par une fin tragique sous l’Occupation, reste un jalon du cinéma français, où il rivalise avec des contemporains comme Raimu et Louis Jouvet.

Harry Baur devient une figure centrale du cinéma français des années 1930, époque dorée du cinéma poétique et réaliste. Il travaille avec des réalisateurs de renom et incarne des personnages historiques, des figures littéraires et des hommes ordinaires avec une intensité dramatique. Parmi
ses films les plus marquants :

• Les Misérables (1934, réalisé par Raymond Bernard) : Baur livre une interprétation mémorable de Jean Valjean, capturant l’humanité, la souffrance et la rédemption du personnage de Victor Hugo. Sa performance, face à Charles Vanel en Javert, est considérée comme l’une des meilleures adaptations du roman.

•  La Tête d’un homme (1933, réalisé par Julien Duvivier) : Dans ce film policier adapté de Simenon, Baur joue un Maigret subtil et introspectif, préfigurant les interprétations futures du célèbre commissaire.

• Poil de Carotte (1932, réalisé par Julien Duvivier) : Il incarne le père tyrannique du jeune Poil de Carotte, dans une performance nuancée qui évite la caricature, révélant les failles du personnage.

• Un grand amour de Beethoven (1936, réalisé par Abel Gance) : Baur prête ses traits à Beethoven, apportant une intensité dramatique à la passion et à la solitude du compositeur. Sa capacité à exprimer la douleur intérieure est saluée.

• Volpone (1941, réalisé par Maurice Tourneur) : Dans cette adaptation de la pièce de Ben Jonson, Baur excelle dans le rôle du rusé Volpone, mêlant comédie et cynisme.

• L’Assassinat du père Noël (1941, réalisé par Christian-Jaque) : Un de ses derniers rôles, où il joue un père Noël mystérieux dans un village enneigé, dans un film teinté de poésie et de suspense.

RAIMU

Raimu, de son vrai nom Jules Auguste César Muraire (1883-1946), est un acteur français légendaire, considéré comme l’un des plus grands comédiens du théâtre et du cinéma français du XXe siècle. Né le 18 décembre 1883 à Toulon et mort le 20 septembre 1946 à Neuilly-sur-Seine, Raimu s’est imposé par son charisme, son authenticité et sa capacité à incarner des personnages populaires avec une profondeur émotionnelle rare. Symbole du terroir provençal, il a brillé dans des rôles comiques et dramatiques, notamment sous la direction de Marcel Pagnol, avec qui il a formé un duo artistique mythique.

Raimu devient une icône du cinéma français des années 1930 et 1940, particulièrement dans les adaptations des œuvres de Pagnol, où il incarne des figures emblématiques du Sud de la France. Parmi ses films les plus marquants :

La Trilogie marseillaise de Marcel Pagnol :

• Marius (1931, réalisé par Alexander Korda) : Raimu y reprend le rôle de César, père autoritaire mais tendre, dans une fresque sur l’amour et les rêves à
  Marseille. Sa performance, pleine de verve et d’émotion, est inoubliable.
• Fanny (1932, réalisé par Marc Allégret) : Il approfondit le personnage de César, mêlant humour et douleur face aux drames familiaux
•  César (1936, réalisé par Pagnol) : Écrit directement pour le cinéma, ce film conclut la trilogie avec un Raimu au sommet, notamment dans les scènes
  émouvantes avec son fils Marius.

• La Femme du boulanger (1938, réalisé par Pagnol) : Raimu incarne Aimable, un boulanger cocu mais digne, dans une performance mêlant comique et pathétique. Ce rôle, souvent considéré comme son chef-d’œuvre, lui vaut une reconnaissance internationale, notamment aux États-Unis, où le critique du New York Times le qualifie de « plus grand acteur du monde ».
• L’Homme au chapeau rond (1946, réalisé par Pierre Billon) : L’un de ses derniers rôles, où il montre sa capacité à jouer des personnages plus sombres, dans un registre dramatique.

Raimu travaille aussi avec d’autres réalisateurs, comme Sacha Guitry (Faisons un rêve, 1936) et Henri Decoin (Les Inconnus dans la maison, 1942), prouvant sa versatilité au-delà du répertoire provençal.

Raimu (Jules Auguste César Muraire, 1883-1946) est célébré pour sa voix unique, un élément central de son identité artistique qui a contribué à faire de lui une icône du théâtre et du cinéma français. Sa voix, marquée par l’accent provençal, une texture rocailleuse et une expressivité naturelle, est un outil essentiel de son jeu d’acteur, capable de transmettre une gamme d’émotions allant de l’humour truculent à la profonde mélancolie. Voici une analyse détaillée de sa voix, de ses caractéristiques, de son utilisation et de son impact dans ses performances.

• Accent provençal : Né à Toulon, Raimu conserve un accent méridional distinctif, avec ses intonations chantantes, ses voyelles allongées et ses inflexions chaleureuses. Cet accent, typique de la Provence, donne à sa voix une couleur locale immédiatement reconnaissable, même dans des rôles non provençaux. Par exemple, dans Marius (1931), son phrasé marseillais pour le personnage de César ancre le film dans l’univers du Vieux- Port, renforçant l’authenticité du cadre.
•  Texture rocailleuse : La voix de Raimu est grave, légèrement rauque, avec une qualité presque rugueuse qui reflète son passé de comique troupier et sa vie dans un milieu populaire. Cette texture ajoute une dimension d’humanité brute à ses personnages, les rendant accessibles et universels.
• Clarté et puissance : Malgré son accent marqué, Raimu articule avec une clarté remarquable, héritée de ses années au théâtre. Sa voix porte naturellement, ce qui est essentiel dans les grandes salles ou dans les films de l’époque, où la prise de son était parfois rudimentaire.
• Rythme et musicalité : Sa diction est rythmée, presque musicale, avec des accélérations dans les moments comiques et des pauses dramatiques pour souligner l’émotion. Cette musicalité provient de son expérience dans le café-concert, où il apprenait à captiver un public par des variations de tempo.

De son vrai nom Jean Alexis Moncorgé, c’est l’une des figures les plus emblématiques du cinéma français, né le 17 mai 1904 à Paris et mort le 15 novembre 1976 à Neuilly-sur-Seine. Acteur au charisme brut et à la présence magnétique, il a incarné l’archétype de l’homme du peuple, tour à tour héros tragique, voyou ou honnête homme, dans plus de 90 films sur cinq décennies. Sa carrière, marquée par le réalisme poétique des années 1930, des rôles de gangster dans les années 1950-1960, et une aura de patriarche à la fin de sa vie, en fait une légende du cinémamondial.

• Origines : Fils d’artistes de music-hall (son père était chanteur d’opérette sous le nom de Ferdinand Gabin), Jean Gabin grandit à Mériel (Val-d’Oise). Peu attiré par les études, il travaille comme employé de bureau et manoeuvre avant d’entrer dans le milieu du spectacle via des petits rôles au théâtre et au music-hall, notamment aux Folies Bergère.
• Premiers rôles au cinéma : Gabin débute au cinéma dans des films muets dès 1928 (Les Lions), mais c’est avec l’avènement du parlant qu’il se fait remarquer. Son premier rôle notable est dans Chacun sa chance (1930). Sa voix grave et son naturel à l’écran séduisent rapidement
•  Réalisme poétique : Dans les années 1930, Gabin devient la muse du réalisme poétique, un mouvement cinématographique mêlant lyrisme, mélancolie et portraits de la classe ouvrière. Ses collaborations avec des réalisateurs comme Julien Duvivier, Marcel Carné et Jean Renoir marquent cette période :
   1935 : Golgotha (Julien Duvivier) – Il incarne Ponce Pilate, un rôle secondaire mais marquant dans une fresque religieuse où Robert Le Vigan joue Jésus.
  1936 : La Bandera (Julien Duvivier) – Rôle de Pierre Gilieth, un légionnaire en fuite, qui établit son image d’antihéros tragique.
  1936 : Les Bas-fonds (Jean Renoir) – Il joue Pépel, un voleur au grand cœur, face à Louis Jouvet.
  1937 : Pépé le Moko (Julien Duvivier) – Son rôle de gangster romantique à Alger devient iconique, faisant de lui une star internationale.
  1937 : La Grande Illusion (Jean Renoir) – En tant que lieutenant Maréchal, un prisonnier de guerre, Gabin livre une performance humaniste dans ce chef- d’œuvre pacifiste.
  1938 : Le Quai des brumes (Marcel Carné) – Son rôle de déserteur amoureux (Jean) face à Michèle Morgan consacre son image d’amant tragique.
  1939 : Le Jour se lève (Marcel Carné) – Il incarne François, un ouvrier acculé par le destin, dans un film devenu un classique du réalisme poétique.

Ces films, portés par des dialogues de Jacques Prévert et une mise en scène soignée, font de Gabin l’incarnation de l’homme ordinaire confronté à des destins tragiques, avec une authenticité et une intensité rares.Pendant et après la Seconde Guerre mondiale (1940-1949)

• Exil aux États-Unis : En 1941, fuyant l’Occupation, Gabin s’exile à Hollywood, où iltourne deux films (Moontide en 1942 et The Impostor en 1944), mais sa carrière américaine est un échec, en partie à cause de son accent et de son refus de se conformer aux standards hollywoodiens. Sa liaison avec Marlene Dietrich, rencontrée à cette époque, marque sa vie personnelle.
• Retour en France : De retour en 1943, Gabin s’engage dans les Forces françaises libres, servant comme chef de char dans la 2e DB du général Leclerc. Il participe à la libération de la France, ce qui renforce son image patriotique. Après la guerre, il reprend sa carrière avec Martin Roumagnac (1946), aux côtés de Dietrich, mais le film est un échec.
• Période creuse : Les années 1940 sont difficiles pour Gabin, alors que le réalisme poétique s’essouffle et que son image de jeune premier s’estompe. Des films comme Miroir (1947) ou Au-delà des grilles (1949) rencontrent un succès mitigé.

Louis Jouvet (1887-1951) est un acteur, metteur en scène et directeur de théâtre français, figure majeure du théâtre et du cinéma français du XXe siècle. Né le 24 décembre 1887 à Crozon (Finistère), il se destine d'abord à des études de pharmacie avant de se consacrer pleinement au
théâtre, sa véritable passion. Carrière théâtrale Jouvet intègre le Conservatoire d'art dramatique de Paris, mais c'est sous l'égide
de Jacques Copeau, au Théâtre du Vieux-Colombier, qu'il développe son art. Il devient un acteur et metteur en scène reconnu pour son approche rigoureuse et son engagement envers un théâtre intellectuel et poétique. En 1923, il prend la direction de la Comédie des Champs-Élysées, puis,
en 1934, celle du Théâtre de l'Athénée, qui portera plus tard son nom. Il se distingue par ses mises en scène novatrices des œuvres de Molière, Jean Giraudoux, et Marcel Pagnol, entre autres. Sa diction précise, son charisme et sa capacité à incarner des personnages complexes marquent son
style.

Louis Jouvet, en tant que metteur en scène, a marqué le théâtre français par son approche novatrice, sa fidélité aux textes et sa capacité à révéler leur profondeur tout en modernisant leur interprétation. Voici un aperçu de ses principales mises en scène, centrées sur son travail au théâtre, notamment à la Comédie des Champs-Élysées (1923-1934) et au Théâtre de l’Athénée (à partir de 1934) :

Principales mises en scène

1. Œuvres de Jean Giraudoux
Jouvet entretenait une collaboration étroite avec Giraudoux, dont il a mis en scène plusieurs pièces majeures, contribuant à leur succès :

• Siegfried (1928) : Première grande collaboration avec Giraudoux, cette pièce explore l’identité et la mémoire à travers une mise en scène sobre mais puissante,
  mettant en valeur le texte poétique.
• Amphitryon 38 (1929) : Jouvet excelle dans l’équilibre entre comédie et mythologie, avec une scénographie élégante qui souligne l’humour et la
  modernité du texte.
• Intermezzo (1933) : Une pièce onirique où Jouvet met en avant une atmosphère féerique, jouant sur les contrastes entre réalisme et fantastique.
• La Guerre de Troie n’aura pas lieu (1935) : Chef-d’œuvre pacifiste de Giraudoux, cette mise en scène est saluée pour sa tension dramatique et son esthétique épurée, reflétant les inquiétudes de l’entre-deux-guerres.
• Ondine (1939) : Jouvet crée une ambiance poétique et visuelle, avec des décors et des éclairages qui amplifient le lyrisme du texte.

2. Molière, un répertoire de prédilection

Jouvet avait une passion pour Molière, qu’il considérait comme un modèle de théâtre vivant. Il a monté plusieurs de ses pièces, cherchant à en renouveler l’interprétation tout en respectant leur essence :

• L’École des femmes (1936) : Jouvet propose une mise en scène moderne, centrée sur la psychologie des personnages, avec une attention particulière à la diction et au rythme.
• Dom Juan (1947) : Sa vision audacieuse met en avant la dimension philosophique et subversive du texte, avec un décor minimaliste qui laisse la

place au jeu des acteurs.

• Tartuffe : Jouvet insistait sur l’équilibre entre comédie et critique sociale, utilisant des décors simples pour accentuer la force du texte.

3. Autres auteurs

• Knock de Jules Romains (1923) : Cette pièce, créée à la Comédie des Champs- Élysées, est un triomphe. Jouvet, qui joue également le rôle-titre, met en scène une satire mordante avec une énergie comique et une précision dans la direction
  d’acteurs.
•  Les Fourberies de Scapin de Molière : Une mise en scène vive et enjouée, où Jouvet met l’accent sur la théâtralité et le rythme effréné de la comédie.
• Le Soulier de satin de Paul Claudel (1943) : Bien que complexe, cette pièce monumentale bénéficie de la vision de Jouvet, qui orchestre une fresque théâtrale ambitieuse, mêlant mysticisme et passion.

Style de mise en scène

•  Fidélité au texte : Jouvet accordait une importance primordiale aux mots, travaillant la diction et le rythme pour révéler la musicalité et la profondeur des dialogues.
• Sobriété et modernité : Ses décors étaient souvent minimalistes, mettant en avant les acteurs et le texte plutôt que des effets spectaculaires. Il utilisait des éclairages et des costumes pour créer des atmosphères subtiles.
•  Direction d’acteurs : Il guidait ses comédiens avec précision, insistant sur l’intériorité des personnages et la vérité émotionnelle, tout en valorisant la discipline collective.
• Équilibre entre tradition et innovation : Jouvet modernisait les classiques sans les dénaturer, rendant les textes accessibles tout en explorant leur universalité.