La Femme du boulanger est un film français réalisé par Marcel Pagnol, sorti le 7 septembre 1938. Adapté d’un épisode du roman Jean le Bleu de Jean Giono, ce film est une comédie dramatique devenue un classique du cinéma français, porté par la performance légendaire de Raimu dans le rôle du boulanger Aimable Castanier. Tourné en noir et blanc, le film mêle humour provençal, satire sociale et émotion universelle, ancré dans le décor pittoresque d’un village du Sud de la France. Il est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de Pagnol et l’un des rôles les plus marquants de Raimu.

Une inspiration tirée d’une histoire vraie

L’histoire du film est adaptée d’un épisode du roman Jean le Bleu de Jean Giono, lui- même inspiré d’une anecdote réelle. Giono avait entendu parler d’un boulanger d’un village provençal dont la femme s’était enfuie avec un berger, provoquant une crise locale car le boulanger, déprimé, refusait de faire du pain. Marcel Pagnol, séduit par cette histoire, l’a amplifiée en y ajoutant son humour et sa tendresse, transformant une anecdote en une fable universelle sur l’amour et la communauté

2. Tensions entre Raimu et Pagnol

Raimu, connu pour son caractère exigeant, s’est souvent disputé avec Marcel Pagnol pendant le tournage. Raimu reprochait à Pagnol son approche parfois improvisée, notamment sur les dialogues, qu’il jugeait trop spontanés pour un acteur habitué à la rigueur du théâtre. Une anecdote raconte qu’au cours d’une scène, Raimu, furieux, aurait jeté son tablier en criant : « Marcel, si tu veux que je joue, donne-moi un texte, pas une conversation de bistrot ! » Pagnol, amusé, aurait rétorqué : « Mais c’est toi, le bistrot ! » Leur réconciliation, marquée par une admiration mutuelle, a permis de sublimer le film.

3. L’improvisation de la scène du pain

L’une des scènes les plus mémorables, où Aimable (Raimu) explique avec passion l’art de faire du pain, contient des éléments improvisés. Raimu, fort de son expérience théâtrale, a ajouté des détails sur le pétrissage et le four, s’inspirant de son observation des boulangers provençaux. Pagnol, ravi par cette spontanéité, a conservé ces ajouts, qui donnent à la scène une authenticité et un humour irrésistibles.

4. Le chat Pomponette, star inattendue

La scène finale, où Aimable reproche à sa femme Aurélie son infidélité en s’adressant à son chat Pomponette (« Toi, au moins, tu ne cours pas après les matous ! »), est devenue culte. Ce moment, mêlant humour et émotion, était un pari risqué, car il repose sur un monologue face à un animal. Pagnol a insisté pour inclure cette scène, malgré les doutes de l’équipe, et le naturel de Raimu en a fait un sommet du film. L’anecdote raconte que le chat, peu coopératif, a nécessité plusieurs prises, ce qui amusait beaucoup Raimu, qui plaisantait en disant : « Ce chat est plus capricieux que moi ! »

5. Un tournage provençal authentique

Le film a été tourné en grande partie au village du Castellet, dans le Var, pour capturer l’âme de la Provence. Les habitants locaux ont participé comme figurants, ajoutant une touche de réalisme. Une anecdote amusante rapporte que certains villageois, impressionnés par Raimu, lui apportaient du pain frais pour « vérifier » s’il était vraiment boulanger. Raimu, avec sa gouaille, les remerciait en lançant : « Votre pain est bon, mais le mien est meilleur, vous verrez au cinéma ! »

6. Raimu et Hollywood

Après la sortie du film, La Femme du boulanger connaît un succès international, notamment aux États-Unis, où il est projeté à New York en 1940. Les critiques américains, comme Otis Ferguson du New York Times, encensent Raimu, le qualifiant de « plus grand acteur du monde ». Hollywood lui propose des contrats lucratifs, mais Raimu, attaché à sa Provence et méfiant envers l’industrie américaine, refuse catégoriquement, déclarant à Pagnol : « Là-bas, ils me feraient jouer un gangster avec mon accent ! Je reste avec toi, Marcel. » Cette décision renforce son image d’artiste fidèle à ses racines.

 

7. Le curé et l’instituteur : une rivalité réelle

La rivalité comique entre le curé (Robert Vattier) et l’instituteur (Robert Bassac), qui incarne les tensions entre l’Église et l’école laïque, était amplifiée par une anecdote du tournage. Les deux acteurs, amis dans la vie, s’amusaient à improviser des piques pour rendre leurs échanges plus vifs. Pagnol encourageait cette spontanéité, ce qui donne aux scènes de débat un naturel désopilant, comme lorsque le curé accuse l’instituteur de «corrompre la jeunesse avec ses idées républicaines ».

8. Un défi technique pour le son

À l’époque, le cinéma parlant était encore récent, et le tournage en extérieur posait des problèmes techniques. Lors des scènes dans le village, le mistral perturbait l’enregistrement du son. Une anecdote raconte que l’équipe a dû improviser des écrans de fortune avec des couvertures pour protéger les micros, ce qui faisait rire Raimu, qui lançait : « Le mistral, c’est le seul qui ose me couper la parole ! »

9. Un succès qui dépasse Pagnol

Pagnol, qui considérait La Femme du boulanger comme un projet plus modeste que sa Trilogie marseillaise, fut surpris par son immense succès. Lors de la première à Paris, le public applaudit debout à la fin de la projection, un honneur rare à l’époque. Raimu, ému, aurait dit à Pagnol : « Tu vois, Marcel, c’est pas seulement ton film, c’est notre Provence qu’ils aiment. »

10. Une restauration pour l’éternité

Bien après sa sortie, le film a été restauré dans les années 1990 pour préserver sa qualité visuelle et sonore. Lors de la redécouverte du film en version restaurée, des spectateurs ont noté que l’accent provençal de Raimu et les dialogues de Pagnol semblaient encore plus vivants, prouvant la pérennité de l’œuvre. Une anecdote touchante rapporte qu’un projectionniste, lors d’une séance moderne, a pleuré en entendant la voix de Raimu dans la scène de Pomponette, disant : « C’est comme si Raimu était encore là, dans la salle. »

Le Jour se lève est un film français réalisé par Marcel Carné, sorti en 1939, considéré comme un chef-d'œuvre du réalisme poétique.
Écrit par Jacques Prévert, il met en vedette Jean Gabin dans le rôle principal, accompagné d’Arletty, Jules Berry et Jacqueline Laurent.

Les Misérables (1934), réalisé par Raymond Bernard, est une adaptation cinématographique monumentale du roman éponyme de Victor Hugo, publiée en 1862. Considéré comme l’une des meilleures adaptations de l’œuvre, ce film français, tourné en noir et blanc, est une fresque épique divisée en trois parties (Tempête sous un crâne, Les Thénardier, Liberté, liberté chérie), totalisant environ 4h40 de projection. Porté par la performance magistrale de Harry Baur dans le rôle de Jean Valjean et de Charles Vanel dans celui de Javert, le film est un chef-d’œuvre du ciném français des années 1930, mêlant réalisme, poésie et engagement social. Voici une analyse détaillée du film, couvrant son contexte, son style, ses thèmes, sa mise en scène et son impact.

Javert est un inspecteur de police inflexible, dévoué à la justice telle qu’il la conçoit : une application stricte et sans compromis de la loi. Dans le film, comme dans le roman, il est présenté comme un homme né dans les bas-fonds (fils d’une bohémienne et d’un criminel), mais qui a choisi l’ordre et l’autorité pour s’élever socialement. Cette origine, bien que moins explicitement développée dans le film que dans le roman, explique son zèle et son mépris pour les hors-la-loi comme Valjean.

• Psychologie : Javert est un homme de principes rigides, pour qui la loi est une vérité absolue. Il voit le monde en noir et blanc : les criminels sont irrécupérables, et tout écart mérite une punition. Sa traque obsessionnelle de Valjean, qu’il pourchasse pendant des années pour une violation de liberté conditionnelle, révèle une personnalité monolithique, incapable de pardon ou de nuance.
• Évolution : Contrairement à Valjean, qui se transforme à travers la compassion, Javert reste statique jusqu’à sa crise finale. Sa confrontation avec sa propre morale, lorsqu’il réalise que Valjean, un « criminel », est capable de bonté, précipite sa chute tragique.

Rôle narratif

Javert sert de contrepoint dramatique à Jean Valjean, incarnant l’antithèse de la rédemption et de l’humanité. Dans le film, il apparaît dans les trois parties
(Tempête sous un crâne, Les Thénardier, Liberté, liberté chérie), structurant le récit par sa traque incessante :

• Dans Tempête sous un crâne : Javert est le gardien du bagne de Toulon, où il rencontre Valjean pour la première fois. Sa froide autorité établit immédiatement son rôle de figure oppressive. Plus tard, à Montreuil-sur-Mer, il suspecte que le maire Madeleine est Valjean, amorçant leur conflit central.
• Dans Les Thénardier : Javert poursuit Valjean à Paris, où il traque également Cosette et Marius. Ses interventions, comme l’arrestation de Fantine, soulignent son aveuglement moral, incapable de voir la misère derrière les actes.
• Dans Liberté, liberté chérie : Lors des barricades de 1832, Javert est capturé par les révolutionnaires, et Valjean, en lui sauvant la vie, ébranle ses certitudes. Cette clémence, inconcevable pour Javert, mène à son suicide dans la Seine, un moment clé du film. Javert est donc un moteur narratif, poussant Valjean à fuir et à se confronter à ses choix moraux, tout en représentant un système judiciaire rigide qui contraste avec les idéaux humanistes de Hugo.

 

Interprétation par Charles Vanel

Charles Vanel livre une performance remarquable, faisant de Javert un personnage à la fois redoutable et tragique. Son interprétation repose sur plusieurs éléments :

 

•  Physique et présence : Vanel, avec son visage anguleux et son regard perçant, incarne l’inflexibilité de Javert. Sa posture raide, son uniforme impeccable et ses mouvements mesurés renforcent l’image d’un homme prisonnier de son rôle. Dans les scènes de confrontation avec Valjean, son immobilité contraste avec l’agitation intérieure de Baur, créant une tension palpable.
• Voix : La voix de Vanel, grave et monocorde, traduit l’absence d’émotion de Javert face à la souffrance humaine. Lorsqu’il prononce des répliques comme « La loi ne pardonne pas», son ton est dénué de chaleur, reflétant son dévouement aveugle à l’ordre. Dans les moments de doute, notamment avant son suicide, Vanel introduit une légère fêlure dans sa voix, suggérant une humanité réprimée.
• Subtilité tragique : Vanel évite de faire de Javert une caricature de méchant. Dans la scène finale, son regard perdu et ses gestes hésitants, lorsqu’il contemple la Seine, traduisent un homme brisé par l’effondrement de ses certitudes. Cette nuance fait de son Javert un personnage complexe, à la fois haïssable et pitoyable.
• Loi contre humanité : Javert représente la rigidité du système judiciaire, qui punit sans égard pour les circonstances. Sa traque de Valjean, pour un vol de pain et une évasion, illustre l’injustice d’une loi dénuée de compassion. Le film, fidèle à Hugo, critique ce système en montrant comment il broie les individus (Fantine, Valjean) tout en glorifiant des figures comme Javert.
• Obsession et fanatisme : L’obsession de Javert pour Valjean va au-delà du devoir, devenant une quête personnelle. Cette monomanie, mise en scène par Bernard dans des face-à-face tendus, révèle un homme prisonnier de sa propre idéologie.
• Tragédie de l’inflexibilité : La fin de Javert, lorsqu’il se suicide après avoir été sauvé par Valjean, est le point culminant de sa tragédie. Incapable d’accepter qu’un « criminel » puisse être moral, il choisit la mort plutôt que de réviser ses croyances. Cette scène, filmée avec sobriété (un plan sur la Seine, un plongeon hors champ), souligne l’absurdité de son fanatisme.
• Conflit moral : Javert incarne le conflit entre la justice légale et la justice morale. Sa confrontation avec Valjean, notamment lorsqu’il est épargné, met en lumière l’opposition entre la rigidité de la loi et la clémence humaine, un thème universel qui résonne dans le contexte des années 1930, marquées par des tensions sociales.

Les Thénardiers sont un couple d’escrocs qui exploitent leur position sociale pour s’enrichir aux dépens des plus vulnérables. Ils évoluent de petits aubergistes malhonnêtes à Montfermeil à chefs d’une bande criminelle à Paris, reflétant leur adaptabilité et leur absence de scrupules.

• Mme Thénardier : Interprétée par Marguerite Moreno, elle est une figure dominatrice, brutale et sans pitié. Son physique imposant et son comportement agressif en font une matriarche tyrannique, particulièrement cruelle envers Cosette, qu’elle traite comme une servante. Elle est motivée par l’avidité et un mépris viscéral pour les faibles, qu’elle exploite sans remords.
•  M. Thénardier : Joué par Charles Dullin, il est plus rusé et théâtral, utilisant son charme et son éloquence pour manipuler. Ancien soldat et opportuniste, il se présente comme un homme jovial, mais ses actions révèlent une lâcheté et une malveillance profondes. Il est le cerveau des escroqueries, tandis que sa femme impose par la force.
• Psychologie : Les Thénardiers sont des parasites sociaux, prospérant dans les marges d’une société inégalitaire. Leur absence de morale contraste avec la transformation de Valjean et la rigidité de Javert. Ils n’ont aucune aspiration à la rédemption, ce qui les rend à la fois comiques (par leur exagération) et terrifiants (par leur cruauté).
•  Évolution : Contrairement à Javert, qui connaît une crise morale, ou à Valjean, qui se rédime, les Thénardiers restent statiques, passant d’une forme de malhonnêteté à une autre, plus criminelle. Leur constance dans le vice en fait des antagonistes prévisibles mais redoutables.

Les Thénardiers jouent un rôle clé dans le récit, en particulier dans la deuxième partie du film, Les Thénardier, et dans la troisième, Liberté, liberté chérie. Leur présence structure plusieurs arcs narratifs :

• Exploitation de Fantine et Cosette : Dans Les Thénardier, ils extorquent Fantine (Florelle) en lui réclamant des sommes exorbitantes pour l’entretien de Cosette, contribuant à sa descente dans la misère et la prostitution. Leur maltraitance de Cosette (Gaby Triquet), qu’ils réduisent à l’état de servante, motive l’intervention de Valjean, qui la sauve.
• Obstacles pour Valjean : À Montfermeil, leur cupidité complique la fuite de Valjean avec Cosette. À Paris, ils réapparaissent comme chefs de la bande des Patron-Minette, tentant de voler Valjean et de manipuler Marius (Jean Servais). Leur complot dans la masure Gorbeau est un moment clé, où Valjean échappe de justesse à une embuscade.

Catalyseurs dramatiques : Les Thénardiers relient les intrigues de Fantine, Cosette et Valjean, tout en introduisant une dimension criminelle qui contraste avec la révolte idéaliste des barricades. Leur tentative de chantage sur Marius renforce également le suspense entourant l’identité de Valjean. Ils servent de contrepoint comique et sinistre, allégeant temporairement la tension dramatique tout en soulignant la noirceur du monde dans lequel évolue Valjean.

Thèmes incarnés par les Thénardiers

Les Thénardiers sont des vecteurs essentiels des thèmes sociaux et moraux de Hugo, adaptés avec
fidélité dans le film :

• Corruption et cupidité : Les Thénardiers incarnent le pire de la nature humaine, exploitant la misère (Fantine, Cosette) pour leur profit. Leur auberge, où ils surfacturent et trichent, symbolise une société où les puissants abusent des faibles.
• Critique sociale : Hugo utilise les Thénardiers pour dénoncer les effets d’une société inégalitaire, où la pauvreté pousse certains à la malhonnêteté. Le film, sorti en 1934, résonne avec les crises économiques de l’époque, où la survie justifiait parfois des comportements immoraux.
• Fausse respectabilité : Leur façade d’aubergistes honnêtes, puis de « bourgeois » parisiens, critique l’hypocrisie sociale. Leur capacité à manipuler les apparences contraste avec la sincérité de Valjean.
• Humour noir et grotesque : Les Thénardiers apportent une dimension presque caricaturale, avec leurs exagérations et leur mesquinerie. Cette tonalité grotesque, bien rendue dans le film, équilibre la tragédie du récit tout en soulignant leur bassesse.